英国艺术家理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）曾在纽约古根海姆博物馆展出了一系列玻璃纤维浮雕作品 —— 其灵感来自于一张地标性建筑的明信片，这些作品均体现了波普艺术（Pop art）的重复和再现图像的特点。

  汉密尔顿通常被认为是波普艺术运动的创始人，他也是独立小组（Independent Group）的成员，该小组作为视觉艺术创作的平台，在50年代早期至中期支持着英国的新技术和大众文化。

  波普艺术正是起源于20世纪50年代末的英国。同为独立小组成员的英国作家兼策展人劳伦斯·阿洛威（Lawrence Alloway）在1958年首次提出了“波普艺术”一词，阿洛威将波普艺术作品分为4类：现成品或重建物品、平面绘画、物品绘画、标志绘画。

  波普艺术家在其广泛的实践中借鉴了达达艺术（Dada art）运动的历史，与波普艺术一样，达达讽刺性地将日常物品和活动作为社会和美学批判的工具。柏林达达主义有着非常大的政治野心，但最终没有实现这种野心，他们对资本主义和军工复合体的美学批评是恰当的，但没有一个连贯的战略来建立反对意见。与之形成鲜明对照的是，波普艺术在战后几十年里持续焕发出了旺盛的生命力。

  1963年，在二战后美国经济活力和消费主义社会蒸蒸日上的鼓舞下，在纽约古根海姆博物馆，作为该馆策展人的阿洛威组织了一场开创性的展览：“六位画家与物品”（Six Painters and the Object），首次向美国公众介绍这一运动 —— 吉姆·戴恩（Jim Dine）、贾斯帕·琼斯（Jasper Johns）、罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）、克拉斯·欧登伯格（Claes Oldenburg）、詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）和安迪·沃霍尔（Andy Warhol），6位美国艺术家从广告、低俗杂志、报纸、广告牌、电影、漫画和商店橱窗中汲取灵感，探索大众文化的视觉语言。

  阿洛威言道：“60年代波普艺术艺术家们从流行文化或‘通信网络和城市的物理环境’中汲取灵感。他们对这些力量的解决方法以及由此产生的艺术作品往往带有讽刺意味。”随之，波普艺术开始在美国扎根。

  波普艺术家将商业文化和广告的视觉语言融入艺术创作中，从而表现出传统美术中被认为是低俗的主题。这种对流行形式的拥抱既被解释为对美国文化的热烈肯定，也被解释为对“低俗”的不假思索的拥护。

  波普艺术的冷静、超然、冷酷、不近人情的外观，标志着新兴美国艺术家们对所谓高雅艺术神圣性传统的蔑视，以及对于杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）和威廉·德·库宁（Willem de Kooning）等上一代抽象表现主义艺术家所推崇的强调个人姿态或自由笔触的直接冲击。

  60年代初，戴恩等一批艺术家将抽象表现主义绘画的姿态和主观意蕴延伸到被称为“事件”（Happenings）的表演当中，这些活动结合了舞蹈、视觉艺术、音乐和诗歌，从虚假的晚宴和不合逻辑的仪式到虚构的店面，出售荒诞的物品，旨在批判社会对大众消费的庆祝。

  汤姆·韦塞尔曼（Tom Wesselmann）也被广泛认为是60年代美国波普艺术运动的领军人物之一，他曾经非常欣赏威廉·德·库宁，但很快就摒弃了这种抽象表现主义绘画，转而采用古典表现主义：“我认识到我必须寻找自我的激情，我觉得我必须否定自己对德库宁的所有喜爱，尽可能朝相反的方向发展。”

  在他的艺术作品中，尤其是裸体、静物和风景画，融合了拼贴元素和组合元素，开辟出独特的空间，韦塞尔曼创作的《伟大的美国裸体》（Great American Nude）系列，从美国文化和媒体文化中汲取灵感，创作出色彩大胆、尺寸如广告牌的平面画作。和戴恩一样，他也参与了许多波普艺术展览，但不同的是，他不同意被简单地贴上这样的标签。

  1984年，韦塞尔曼开创了一种激光切割技术，可以将他的绘画精确地转化为金属形式，他将小涂鸦放大，用钢和铝切割出来，然后涂上鲜艳的色彩。这些画作由实心形状和内部空隙组成，成为适应其画作的干净线条和扁平形式的理想媒介。

  这一时期，他创作了抽象的三维图像，并最终创作了他的《日落裸体》（Sunset Nudes）系列。这些布面油画以其大胆的构图和抽象的图像，向亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的宫女致敬。在职业生涯的后期，韦塞尔曼以笔名“斯利姆·斯蒂林沃思”（Slim Stealingworth）撰写了一本自传，详细记录了他的艺术发展历程。

  转向全球范围，英国和美国以外的艺术家也探索着一种与波普相关的风格，在其他几个国家被称为资本主义现实主义（Capitalist Realism）或新现实主义（Nouveau Réalisme），这种风格对美学惯例提出了质疑，如所谓的高级艺术的假定原创性。

  自20世纪60年代以来，波普艺术的相关性一直延续了几代人，直至今日，这种思想脉络仍然十分清晰：德国当代艺术家约瑟芬·梅克塞普（Josephine Meckseper）挑战了对熟悉图像的传统解释，以及使图像获得意义的流通和展示系统，她在雕塑作品中将艺术品与商品混为一谈，这些雕塑作品一般会用商店陈列的形式，与我们的消费主义影响文化生产的方式直接相关，往往为原本普通的产品和视觉效果提供了一个批判性的框架。

  苏格兰当代艺术家道格拉斯·戈登（Douglas Gordon）通过模仿沃霍尔的自画像，以及直接挪用沃霍尔的电影《帝国》（Empire，1965），在柏林放映期间盗录了两个小时的原版电影，然后将其重塑为自己的当代艺术作品，从而参与了波普艺术的历史，戈登既承认这位著名艺术家无处不在的影响力，也承认他对名人和粉丝文化的痴迷。

  墨西哥当代艺术家何塞·达维拉（Jose Dávila）和多米尼加-美国当代艺术家露西娅·希耶罗（Lucía Hierro）在批判消费文化的作品中延续了波普艺术的传统，战略性地融入了墨西哥和多米尼加-美国的元素，反映了每位艺术家的自我身份，对艺术品的消费方式来进行着深刻的反思，通过对拉美当地市场常见物品的超大渲染，提升平庸物品的地位，探讨了文化身份、资本主义和阶级等基本问题。